Atualizando para a versão 6.5 do "Reason" eo estabelecimento de "EXTENSION RACK"

Propellerhead lançou novas versões do Reason 6,5 e Reason 1.5 Essentials. A característica chave nas novas versões é a introdução de extensões rack.

Características:

Extensões de rack são um novo formato para a razão para a criação de ferramentas e efeitos.
No site você pode obter versões de teste de 30 dias. de todas as extensões disponíveis.

Aqui está um resumo das extensões do rack que estão agora disponíveis:

Pulsar LGM-1 é uma usina de modulação de canal duplo para o rack Razão.

Knob de saturação é um efeito de distorção botão.

FXpansion Red Etch é um efeito de filtragem, baseado em tecnologia DCAM.

Ozônio Maximizer é uma ferramenta de masterização para adicionar plenitude e clareza à mistura.

Efeito Bitspeek é um passo-animado que recebe a entrada de áudio, dividindo-a em parâmetros de sintetizador e reproduz o som com um oscilador e um filtro formante.

Rough Rider é um simples compressor que "soa bem".

Piano Radical é um peso leve piano e flexível.

Buffre Repeater Beat é um loop de dispositivo de áudio que se repete e executa áudio matagal em sincronia com o ritmo.

Polar é uma antiga escola e harmonizar Pitch Shifter.

Synapse Modulador Anel RM-1 é um modulador de anel analógico.

SB Arranger Slice afeta o sinal de áudio de entrada e em seguida, colocar as fatias em uma nova ordem.

Compressor FET é um compressor versátil, modelado após um compressor famoso estado sólido.

TSAR-1R Reverb é um reverb algorítmica moderno e elegante.

SB Padrão de filtro é um efeito de filtro que oferece pré-padrão animado com os movimentos do filtro.

Synapse DC-2 efeito de coro duplo coro estéreo oferece uma recepção calorosa e avassaladora.

Trident A-Faixa é equipado com quatro bandas de equalização e filtros passa-altos e passa-baixa.

SB Delay Passo combina passo demora, deslocando e filtragem.

TSAR-1 Reverb é um algoritmo de reverb detalhada e moderna.

Synapse AF-4 filtro analógico é um filtro passa-baixo analógico na base da escada concepção bem conhecida.

ABL2 é uma reconstrução virtual da Roland TB-303 clássico synth bassline.

La actualización a la versión 6.5 de "REASON" y el establecimiento de "rack de extensión"

Propellerhead ha lanzado nuevas versiones de Reason 6.5 y 1.5 Razón Essentials. La característica clave en las nuevas versiones es la introducción de extensiones de bastidor.

Características:

Extensiones de bastidor son un nuevo formato para la razón para la creación de herramientas y efectos.
En el sitio se puede obtener 30 días las versiones de prueba. de todas las extensiones disponibles.

He aquí un resumen de las extensiones de rack que ahora están disponibles:

Pulsar LGM-1 es una potencia de dos canales de modulación para el rack de Reason.

Perilla de saturación es un efecto de distorsión de la perilla.

FXpansion Etch El rojo es un efecto de filtro, basado en la tecnología DCAM.

El ozono Maximizer es una herramienta de masterización para agregar plenitud y claridad a la mezcla.

Bitspeek efecto es un terreno de juego-excitado que recibe la entrada de audio, dividiéndolo en los parámetros del sintetizador y reproduce el sonido con un oscilador y un filtro de formantes.

Rough Rider es un compresor de simple que 'suena bien'.

Piano radical es un peso ligero de piano y flexible.

Repetidor Buffre Beat es un bucle de dispositivo de audio que se repite y lleva a cabo de audio de matorrales en sincronía con el tempo.

Polar es una vieja escuela y armonizar modulador de tono.

Synapse RM-1 Ring Modulator es un modulador en anillo analógico.

Arreglista SB Slice afecta a la señal de audio de entrada y luego poner las lonchas en un nuevo orden.

FET Compressor es un compresor versátil, el modelo de un compresor de estado sólido famoso.

TSAR-1R Reverb es un reverb algorítmico moderno y elegante.

SB patrón del filtro es un efecto de filtro que proporciona preestablecido patrón animada con los movimientos del filtro.

Synapse DC-2 de doble efecto estéreo coro coro ofrece una cálida y abrumadora.

Trident A-Range está equipado con cuatro bandas de ecualización y filtros de paso alto y paso bajo.

Retardo SB tono combina retraso, cambio de tono y el filtrado.

TSAR-1 Reverb es un algoritmo de reverb detallada y moderna.

Synapse AF-4 filtro analógico es un análogo de filtro de paso bajo sobre la base de la escalera de diseño conocido.

ABL2 es una reconstrucción virtual del clásico sintetizador Roland TB-303 Bassline.

Ein Upgrade auf Version 6.5 von "REASON" und die Einrichtung von "RACK EXTENSION"

Propellerhead hat neue Versionen von Reason 6.5 und Reason 1,5 Essentials herausgebracht. Das wesentliche Merkmal in den neuen Versionen ist die Einführung von Erweiterungen Rack.

Features:

Rack-Erweiterungen sind ein neues Format für Grund für die Schaffung von Instrumenten und Effekten.
Auf der Seite können Sie sich 30 Tage Testversionen. aller Erweiterungen zur Verfügung.

Hier ist eine Übersicht von Rack-Erweiterungen, die jetzt verfügbar sind:

Pulsar LGM-1 ist ein Kraftpaket Dual-Channel-Modulation für das Reason-Rack.

Sättigung Knob ist ein Effekt der Verzerrung-Knopf.

FXpansion Red Etch ist eine Filterwirkung, Technologie-basierten DCAM.

Maximizer Ozon ist ein Mastering-Tool für das Hinzufügen von Fülle und Klarheit in den Mix.

Bitspeek Effekt ist eine Teilung angeregten, der das Audio erhält, die Aufteilung in Synthesizer-Parameter und gibt den Ton mit einem Oszillator und einem Formant-Filter.

Rough Rider ist ein einfacher Kompressor, dass "gut klingt".

Radical Piano ist ein Klavier leicht und flexibel.

Buffre Beat-Repeater ist ein Gerät, Audio-Schleife, die wiederholt und führt Scrub Audio synchron zum Tempo.

Polar ist eine alte Schule und zu harmonisieren, Pitch-Shifter.

Synapse RM-1 Ring Modulator ist ein analoger Ringmodulator.

SB Slice-Arranger wirkt sich auf die Eingangs-Audiosignal und setzen Sie dann die Scheiben in einer neuen Ordnung.

FET Compressor ist ein vielseitiger Kompressor, nach einem berühmten Solid State Kompressor modelliert.

Zar-1R Reverb ist ein algorithmischer Hall modern und stilvoll.

SB Filter Pattern ist ein Filter, Effekt, animierte Muster vorgegeben bietet mit den Bewegungen des Filters.

Synapse DC-2 Dual-Stereo-Chorus Chorus-Effekt bietet eine warme und überwältigend.

Trident A-Range ist mit vier Equalizer-Bands und High-Pass Filter und Low-Pass ausgestattet.

SB Tonhöhenverzögerung kombiniert Delay, Pitch-Shifting und Filterung.

Zar-1 Reverb ist ein Reverb-Algorithmus detailliert und modern.

Synapse AF-4 Analog Filter ist ein analoges Tiefpass-Filters auf der Grundlage der bekannten Design Leiter.

ABL2 ist eine virtuelle Rekonstruktion des klassischen Roland TB-303 Bassline-Synthesizer.

Mise à niveau vers la version 6.5 de "REASON" et la création de "EXTENSION RACK"

Propellerhead vient de sortir de nouvelles versions de la Raison 6,5 et 1,5 Raison Essentials. La fonction clé dans les nouvelles versions est l'introduction de rack extensions.

Caractéristiques:

Extensions en rack sont un nouveau format pour la Raison pour la création d'outils et d'effets.
Sur le site vous pouvez obtenir des versions d'essai de 30 jours. de toutes les extensions disponibles.

Voici un aperçu des extensions de rack qui sont maintenant disponibles:

Pulsar LGM-1 est une centrale électrique à deux canaux de modulation pour la crémaillère Motif.

Bouton de saturation est un effet de distorsion bouton.

FXpansion Etch-Rouge est un effet de filtrage, basé sur la technologie DCAM.

Ozone Maximizer est un outil de mastering pour ajouter la plénitude et la clarté à l'ensemble.

Effet Bitspeek est un pitch-excité qui reçoit le signal audio d'entrée, le divisant en paramètres du synthétiseur et reproduit le son avec un oscillateur et un filtre de formants.

Rough Rider est un compresseur simple qui sonne bien ».

Piano Radical est un poids léger piano et flexible.

Répéteur beat Buffre est une boucle périphérique audio qui se répète et effectue audio gommage en synchronisation avec le tempo.

Polar est une ancienne école et d'harmoniser les pitch-shifter.

Modulateur Synapse Anneau RM-1 est un modulateur en anneau analogique.

Arrangeur Slice SB affecte le signal audio d'entrée, puis mettre les tranches dans un nouvel ordre.

Compresseur FET est un compresseur polyvalent, qui s'inspire d'un compresseur à l'état solide célèbre.

TSAR-1R Reverb est une réverbération algorithmique moderne et chic.

Filtre SB motif est un effet de filtre, qui fournit préréglage motif animée avec les mouvements du filtre.

Synapse DC-2 à double effet stéréo Chorus propose un accueil chaleureux et écrasante.

Trident A-Range est équipé de quatre bandes d'égalisation et filtres passe-haut et passe-bas.

Retard de hauteur SB associe retard, pitch shifting et le filtrage.

TSAR-1 Reverb est un algorithme de réverbération détaillée et moderne.

Synapse AF-4 Filtre analogique est un analogue de filtre passe-bas sur la base de l'échelle de conception bien connue.

ABL2 est une reconstruction virtuelle du synthé classique Roland TB-303 bassline.

Auswahl Ihrer Mischpult

Die Erkenntnisse, die im Studio zum Mischen gewachsen sind jene, die auch für neue Anwendungen und Ideen für die Zusammenstellung der richtigen Mischung von Instrumenten geführt haben. Damit hat sich eine Vielzahl von Technologien und Optionen zu kommen, um sicherzustellen, dass jede Art von Studio können ganz einfach ändern Schallwellen in den Aufnahmebereich. Diese Optionen werden für bessere Mischungen und Blends in jedem Musikstück ermöglicht. Die Kenntnis der Eigenschaften der verschiedenen Mischpulten kann Ihnen helfen, zu entscheiden, was ist Ihre beste Option.

Anzahl der Eingabegeräte. Jedes Mischpult ist mit einer Reihe von Anzahl der Kanäle. Jeder dieser Kanäle wird es für ein Instrument im Rahmen des Mischpults platziert werden soll. Sie können von Konzepten wie dem Mischer '24 'oder '36 Mixer' gehört haben. Die Zahlen, die an verwiesen wird, sind die Kanäle verwendet, so dass jeder für ein Instrument, um an seiner Stelle sein. Bevor Sie ein Mischpult zu bekommen, werden Sie wollen, wie viele Kanäle Sie werden zu einer Zeit benötigen, abhängig davon, wie viele Instrumente, die Sie wollen oder müssen, auf einmal aufnehmen zu denken.

Verschiedene Anwendungen für unterschiedliche Umgebungen. Es gibt verschiedene Innovationen, die für verschiedene Bereiche der Mischung verwendet werden. Da eine Soundkarte verfügt in der Lage sein, sowohl die Software zur Aufnahme und für den Mix von Instrumenten anzupassen, werden verschiedene Arten von Mischern erhältlich sein. Einige davon werden auf die Leistung Mischen während andere streng sein wird für das Studio fokussiert werden. Sie können bestimmen, welche wird nach den Pegelregler Merkmale und der Art, in der die Soundkarte eingebaut werden.

Analog oder Digital. Technologie-Innovationen mit Mischer werden ständig neu zu definieren, die besten und neuesten Arten von Mischern, um innerhalb der Aufnahme zu benutzen. Dies hat sich schnell einen Übergang von analogen zu digitalen Mischpulten gemacht. Analoge Mischpulte werden durch drahtgebundene Steuerelemente, die in Veränderungen und Live-Klänge mischen definiert. Digitale Mischpulte, jedoch wird die Verwendung einer digitalen Schnittstelle dazwischen. Typischerweise kann das Mischen Unterschied im Klang als auch die Möglichkeiten zum Mischen zu hören. Da digitale Technologie nutzt später, wird sie nun auch Einzug in Innovationen wie Audio-Streams, alle in einem Bearbeitungsoptionen und mehr Möglichkeiten zur Steuerung von Lautstärke und Eingang des Sound verwendet wird.

Zusätzliche Effekte. Egal, welche Art von Mischer Sie sind in uns, Sie schon immer einmal die Aufmerksamkeit auf die kleinen Knöpfe, die ein Teil der Mischung sind zu zahlen. Abhängig von der Mischung und der Soundkarte machen, werden Sie auch unterschiedliche Signal-Optionen sowie Optionen für die Lautstärkeregelung, abhängig vom Mischer. Je komplexer Sie die Mischung, die mehr oder Instrumentierung Sie haben, stellen Sie wird Ihnen auch helfen, zu entscheiden, auf welche Effekte Sie Platz in der Mischung und vor der Tonaufnahme machen wollen. Sie sollten im Hinterkopf behalten, dass mit diesen Wirkungen, sie kann nicht rückgängig gemacht, wenn sie auf diese Weise als Schallwellen aufgezeichnet werden, was bedeutet, werden Sie wollen, bewusst sein, was funktioniert und was nicht in der Mischung.

Wechselwirkungen mit Software. Ihr Mischpult bietet Ihnen nicht nur mit Optionen für die Pre-Recording, sollten aber auch mit Optionen, wie es interagiert mit der Software haben. Nicht nur, dass jedes Mischpult haben verschiedene Funktionen innerhalb der Platine selbst, kann aber auch mit der Software in gewisser Weise zu interagieren, um zusammen mischen die Schallwellen in einer bestimmten Weise. Sie wollen sicherstellen, dass Sie ein Mischpult, die Ihre Software-System ergänzt haben.

Wenn Sie diese Dinge im Auge behalten mit dem richtigen Mischpult, man erspart sich Zeit, Geld und wird für den richtigen Sound zu dem, was Sie erstellen entwickelt werden können. Ihr End-Option wird die Fähigkeit, Ihren Sound anpassen und bestimmte Kontrollen in Ihrer Musik zu schaffen, die am besten passen, was Sie tun wollen. Durch das Verständnis der verschiedenen Qualitäten von Mischpulten und wie sie für Sie arbeiten kann, gibt es die Möglichkeit, das perfekte Rezept für Ihre Instrumentierung Mix haben sein.

Eescolher a sua mesa de mixagem

As realizações que têm crescido no estúdio para a mistura são aqueles que também levaram a novas aplicações e idéias para montar o mix correto de instrumentos. Com isso, tem vindo de uma variedade de tecnologias e opções, a fim de assegurar que todo o tipo de estúdio pode facilmente mudar as ondas de som dentro da área de gravação. Estas opções estão permitindo mixagens e misturas de melhores dentro de cada peça de música. Conhecer as características dos diferentes mesas de mixagem pode ajudá-lo a decidir qual é a sua melhor opção.

Número de dispositivos de entrada. Cada placa de mistura é fornecido com um conjunto de número de canais. Cada um desses canais permitirá um instrumento para ser colocado no interior da placa de mistura. Você pode ter ouvido falar de conceitos como o misturador '24 'ou '36 mixer. Os números que estão a ser referidos são os canais usados, cada um permitindo um instrumento para estar em seu lugar. Antes que você comece uma mesa de mixagem, você vai querer pensar em quantos canais você vai precisar de uma só vez, depende do número de instrumentos que você quer ou precisa gravar ao mesmo tempo.

Usos diferentes para diferentes ambientes. Existem diferentes inovações que são usados ​​para diferentes áreas de mistura. Porque uma placa de som tem de ser capaz de se adaptar a tanto o software para gravação e para a combinação de instrumentos, diferentes tipos de misturadores estará disponível. Alguns deles serão focados no desempenho da mistura, enquanto outros vão ser estritamente para o estúdio. Você pode determinar que está sendo usada de acordo com as características de controle de nível e da forma em que a placa de som é construído.

Analógico ou Digital. Inovações tecnológicas com misturadores são constantemente re-definição dos tipos melhores e mais recentes de misturadores para uso dentro de gravação. Isso tem feito rapidamente uma transição do analógico para mixers digitais. Mixers analógicos são definidos por controles com fios que se misturam em mudanças e sons ao vivo. Misturadores digitais, no entanto, irá usar uma interface digital no meio. Normalmente, a diferença de mistura pode ser ouvida no som, bem como as opções para a mistura. Porque digital está usando mais tarde a tecnologia, agora é mover-se em inovações, tais como fluxos de áudio, tudo em um opções de edição e mais possibilidades para o controle de volume e entrada do som a ser utilizado.

Efeitos extras. Não importa que tipo de mixer que você está investigando, você sempre quer pagar a atenção para os botões pequenos que fazem parte da mistura. Dependendo da mistura e fazer da placa de som, você também terá opções de sinais diferentes, bem como opções de controle de volume, dependendo do mixer. Quanto mais complexo o que você quer fazer a mistura, ou o mais instrumentação que você tem, também irá ajudá-lo a decidir sobre quais os efeitos que você quer tomar lugar na mistura e antes da gravação de som. Você deve ter em mente que, com esses efeitos, eles não podem ser desfeitas caso sejam registradas assim como as ondas sonoras, ou seja, você vai querer estar ciente de que está funcionando eo que não funciona na mistura.

Interações com software. Sua mesa de mixagem não só oferece a opção de pré-gravação, mas também deve ter opções com a forma como ele interage com o software. Não só cada mesa de mixagem têm características diferentes dentro do próprio conselho, mas pode também interagir com o software de determinadas maneiras, a fim de misturar as ondas sonoras em uma determinada maneira. Você vai querer se certificar de que você tem uma mesa de mixagem que complementa o sistema de software.

Se você manter essas coisas em mente com a prancha certa mistura, você vai economizar tempo, dinheiro e permitirá o som certo para ser desenvolvido a partir do que você está criando. Sua opção final será a capacidade de personalizar o seu som e criar certos controles na sua música que melhor encaixa no que você quer fazer. Ao compreender as diferentes qualidades de mesas de mixagem e como eles podem trabalhar para você, haverá a possibilidade de ter a receita perfeita para o seu mix de instrumentação.

Le choix de votre table de mixage

Les réalisations qui ont grandi dans le studio pour le mixage sont ceux qui ont également conduit à de nouvelles applications et des idées pour rassembler la bonne combinaison d'instruments. Grâce à cela, est venu une variété de technologies et d'options afin d'assurer que chaque type de studio peut facilement changer les ondes sonores dans la zone d'enregistrement. Ces options permettent à de meilleurs mélanges et des mélanges au sein de chaque morceau de musique. Connaître les caractéristiques des différentes tables de mixage peut vous aider à décider quelle est votre meilleure option.

Nombre de périphériques d'entrée. Chaque table de mixage est livré avec un ensemble de nombre de canaux. Chacun de ces canaux permettra d'offrir un instrument pour être placé dans la table de mixage. Vous avez peut être entendu parler de concepts comme le '24 console de mixage ou '36 console de mixage. Les chiffres qui sont cités sont les canaux utilisés, chacun permettant de créer un instrument pour être à sa place. Avant que vous obteniez une table de mixage, vous aurez envie de penser à combien de canaux vous aurez besoin à un moment donné, dépend de combien d'instruments que vous voulez ou avez besoin d'enregistrer à la fois.

Différentes utilisations pour différents environnements. Il ya différentes innovations qui sont utilisés pour les différentes zones de mélange. Parce que une carte son doit être capable de s'adapter à la fois le logiciel pour l'enregistrement et pour la combinaison d'instruments, différents types de mélangeurs sera disponible. Certains d'entre eux seront axés sur la performance de mélange tandis que d'autres seront strictement pour le studio. Vous pouvez déterminer qui est utilisé selon les caractéristiques de contrôle de niveau et de la façon dont la carte son est construit.

Analogique ou Numérique. Les innovations technologiques avec des mélangeurs sont constamment re-définir les types les plus récentes et de mélangeurs à utiliser au sein de l'enregistrement. Cela a rapidement fait une transition de l'analogique au tables de mixage numériques. Mélangeurs analogiques sont définis par des contrôles filaires qui se mélangent à des changements et des sons en direct. Mélangeurs numériques, mais utilisera une interface numérique entre les deux. En règle générale, la différence de mélange peut être entendu dans le son ainsi que les options pour le mélange. Parce numérique utilise la technologie tard, il est maintenant dans des innovations telles que les flux audio, le tout dans un options d'édition et plus de possibilités pour contrôler le volume et l'entrée du son utilisée.

Effets supplémentaires. Peu importe quel type de mélangeur que vous recherchez en, vous voulez toujours faire attention à des petits boutons qui sont une partie du mélange. Selon le mélange et faire de la carte son, vous disposez également d'options de signaux différents ainsi que des options de contrôle du volume, dépendant de la table de mixage. Le plus complexe que vous voulez faire le mélange, ou plus vous avez l'instrumentation, vous aidera également à se prononcer sur quels sont les effets que vous voulez prendre place dans le mix et avant l'enregistrement sonore. Vous devez garder à l'esprit que, avec ces effets, ils ne peuvent pas être annulées si elles sont enregistrées de cette façon que les ondes sonores, ce qui signifie que vous voulez être au courant de ce qui fonctionne et ce n'est pas dans le mélange.

Interactions avec le logiciel. Votre table de mixage vous offre non seulement avec des options pour le pré-enregistrement, mais devrait également avoir des options avec la façon dont il interagit avec le logiciel. Non seulement chaque table de mixage ont des caractéristiques différentes au sein du conseil lui-même, mais peut également interagir avec le logiciel d'une certaine manière, afin de mélanger les ondes sonores d'une certaine manière. Vous voulez vous assurer que vous avez une table de mixage qui complimente votre logiciel système.

Si vous gardez cela à l'esprit avec le conseil d'administration le droit de mélange, il vous fera économiser temps, argent et permettra le son droit d'être développé à partir de ce que vous créez. Votre option de fin sera la possibilité de personnaliser votre son et de créer certains contrôles au sein de votre musique qui correspondent le mieux à ce que vous voulez faire. En comprenant les différentes qualités de tables de mixage et comment ils peuvent travailler pour vous, il y aura la possibilité d'avoir la recette parfaite pour votre mix d'instrumentation.

La elección de su mesa de mezclas

Las realizaciones que se han desarrollado en el estudio para la mezcla son los que han conducido a nuevas aplicaciones e ideas para armar la combinación adecuada de instrumentos. Con esto, ha llegado una gran variedad de tecnologías y opciones con el fin de asegurar que cada tipo de estudio puede cambiar fácilmente las ondas sonoras dentro del área de grabación. Estas opciones están permitiendo mejores mezclas y fusiones dentro de cada pieza musical. Conocer las características de las diferentes mesas de mezclas puede ayudarle a decidir lo que es su mejor opción.

Número de dispositivos de entrada. Cada mesa de mezclas viene con un conjunto de número de canales. Cada uno de estos canales permitirá un instrumento para ser colocado dentro de la tabla de la mezcla. Usted puede haber oído hablar de conceptos como el mezclador de 24 "o un mezclador '36 '. Los números que se están contemplados son los canales utilizados, cada uno teniendo un instrumento para estar en su lugar. Antes de llegar a una mesa de mezclas, tendrá que pensar en el número de canales que se necesita en una sola vez, depende de cuántos instrumentos que quieres o necesitas para grabar a la vez.

Los diferentes usos para diferentes entornos. Hay diferentes innovaciones que se utilizan para diferentes áreas de la mezcla. Debido a que una placa de sonido tiene que ser capaz de adaptarse a tanto el software para la grabación y para la combinación de instrumentos, diferentes tipos de mezcladores estará disponible. Algunos de ellos se centrará en el rendimiento de la mezcla, mientras que otros serán exclusivamente para el estudio. Puede determinar qué se está utilizando de acuerdo a las características de control de nivel y la forma en que se construye la placa de sonido.

Analógico o Digital. Las innovaciones tecnológicas con mezcladores están constantemente re-definición de los tipos mejores y más recientes de los mezcladores para usar en la grabación. Esto ha hecho una rápida transición de analógico a mesas de mezclas digitales. Mezcladores analógicos se define por los controles de cable que se mezclan en los cambios y los sonidos en vivo. Mezcladores digitales, sin embargo, se utiliza una interfaz digital en el medio. Por lo general, la diferencia de mezcla se puede escuchar en el sonido, así como las opciones para la mezcla. Debido a digital utilizando la tecnología más adelante, se está avanzando en innovaciones tales como los flujos de audio, todo en uno las opciones de edición y más posibilidades para controlar el volumen y la entrada del sonido que se utiliza.

Efectos adicionales. No importa qué tipo de mezclador que está buscando en el, siempre se quiere prestar atención a los mandos de pequeños que forman parte de la mezcla. Dependiendo de la mezcla y hacer de la tarjeta de sonido, también dispondrá de diferentes opciones de la señal así como las opciones de control de volumen, que dependen de la mesa de mezclas. Cuanto más complejo es que desea hacer la mezcla, o los instrumentos de que usted tiene, también le ayudará a decidir cuáles son los efectos que desea que tenga lugar en la mezcla y antes de la grabación de sonido. Usted debe tener en cuenta que, a estos efectos, no se puede deshacer si se registran de esa manera en forma de ondas de sonido, lo que significa que tendrá que ser consciente de lo que está funcionando y qué no en la mezcla.

La interacción con el software. Su mesa de mezclas no sólo le ofrece opciones de pre-grabación, pero también debe tener opciones con la forma en que interactúa con el software. No sólo cada mesa de mezclas tienen características diferentes dentro de la propia placa, sino que también puede interactuar con el software de cierta manera con el fin de mezclar las ondas de sonido de una determinada manera. Usted querrá asegurarse de que usted tiene una mesa de mezclas que complementa su sistema de software.

Si usted tiene estas cosas en mente con la mesa de mezclas derecha, que le ahorrará tiempo, dinero y permitirá que el sonido derecho a ser desarrollado a partir de lo que están creando. Su opción final será la capacidad de personalizar el sonido y la creación de ciertos controles dentro de la música que mejor se adapten a lo que quieres hacer. Mediante la comprensión de las diferentes calidades de mesas de mezclas y cómo se puede trabajar para usted, habrá la posibilidad de tener la receta perfecta para la mezcla de instrumentación.

Die Geschichte der Aufzeichnung

Die Fähigkeiten zur Aufzeichnung zu sein scheint neueren, vor allem mit den Möglichkeiten der Technik und dem Verständnis davon, wie Klänge werden in einem Tonstudio genutzt. Es gibt jedoch einen längeren Zeitraum von der Aufnahme, die verwendet wurde, um Audio-Gebieten zu dokumentieren und Musik auf Kurs zu bringen. Durch das Verständnis des Fortschreitens der Aufnahme können Sie auch Wege finden, um ähnliche Merkmale und Routinen in Ihrem eigenen Studio zu realisieren.

Der Beginn der Aufzeichnung stammt aus den 1890er Jahren. Während dieser Zeit wurde der größte Teil der Aufnahme durch akustische Mittel geschehen. Das Aufnahme-Equipment bestand aus einem Band, das für die Audio in dem Band dokumentiert werden lassen würde. Dies würde dann durch ein Horn, das die Sound-Frequenzen, die abgespielt wurden aufzeichnen gehen würde. Dies würde dann, indem sie Rillen in die Aufnahme durch die Wellen, und wie sie übersetzt wurden dokumentiert werden.

Diese Art der Aufnahme ebenfalls enthalten Beschränkungen für den Sound Zimmer und wie der Ton aufgenommen wurde. Obere Skala Aufnahmestudios bestand nur aus einer schalldichten Wand, so dass die Audio-Rauschen nicht springen würde. Die Fähigkeit, Mischung, Mastering und bearbeiten Sie die Audio-Informationen, jedoch nicht verfügbar war. Diejenigen, die an der Aufnahme interessiert waren würde auch die Aufzeichnungen außerhalb des Studios, um Dinge wie Field Recordings, wo die natürlichen Töne auf Audio platziert werden würde tun. Dies wurde zu einer zweiten beliebte Mittel zur Schaffung von Aufnahmen, mit der Öffentlichkeit teilen.

In den 1930er Jahren begann, verschiedene Optionen und Ausrüstung, populär zu sein für die Aufnahme. Dies begann mit Verstärker und Mikrofone, die hinzugefügt, um mehr Tonfrequenzen aufzeichnen wurden. Dies wurde durch ein Mischpult und Lautsprecher, so dass die Geräusche manipuliert werden könnten und geändert werden, während der Aufnahme an. Dies führte für die meisten der akustischen Aufnahme, die in der Vergangenheit getan wurde, um durch die neue Technik ersetzt werden, so dass eine genauere Aufnahmen getan werden könnte.

Bis in die 1970er Jahre waren diese kombinierten Methoden der beliebte Art der Aufzeichnung Musikern und Künstlern im Studio. Die akustischen Räume wurden mit den Mikrofonen kombiniert und wurden live über das Mischpult und geradeaus in die Scheibe oder Tonband aufgezeichnet. Dies blieb wenig Raum neu aufzunehmen oder zu bearbeiten. Der größte Teil der Aufnahme, was geschehen war würde mit kompletten Bands, Orchester oder Gruppen, die alles auf die Disc Ort zu einer Zeit gemacht werden würde.

Die Veränderung, die während dieser Zeit aufgetreten kombiniert die Fähigkeit, die Töne besser zu überwachen und um in den Bearbeitungsmodus wechseln. Es war während der späten 1960er und 1970er Jahren, dass analoge Aufnahmen in das Feld bewegt, so dass für komplexere Maschinen, um an der Spitze der Aufnahme sein. Die analoge Aufnahme bestand aus einem Magnetband, dass die Schallwellen tragen würde und lesen Sie sie zurück durch die Aufnahme. Dies könnte dann über geschrieben und überarbeitet werden nach dem, was aufgezeichnet wurde.

Dieser Zeitraum nicht nur für Aufstieg innerhalb der Aufnahme erlaubt, sondern schuf auch das Experimentieren mit neuen Geräten, Sounds und Effekte, die beliebt für die einzelnen Aufnahmestudios, nun als die Unterschriften verschiedener Branchen sein Aufzeichnung wurde. Diejenigen, die in der Industrie arbeiten zeigte, nicht nur neue Technologien zur Aufzeichnung, sondern auch entwickelt Geräusche, die einzigartig, weil der Fähigkeit, die Mischung und Mastering auf andere Weise bearbeitet werden konnte.

Es war die Bewegung in analoge Aufnahme, die Aufnahme in eine elektronische und digitale Set von Fähigkeiten sowie Industriestandards, die jetzt als die normale Einstellung unter allen Tonstudios werden akzeptiert geändert. Aufgrund dieser Experimente und neue Technologien, kam die Arbeit innerhalb der Branche zu bestimmten Schlussfolgerungen darüber, was besser funktioniert mit der Aufnahme und wie die Produktion wirksam sein könnte.

Diese Entwicklung zeigt, wie die Aufnahme hat sich zu einem Mainstream durch Innovationen, Kreativität und Experimentierfreude. Von der Recording Industry schaffen die Auswirkungen der Aufnahme ist es für neue Arenen der Entwicklung in der Aufnahme von Musik erlaubt, erkundet zu werden.

L'histoire de l'enregistrement

Les capacités à enregistrer peut sembler plus récente, en particulier avec les capacités de la technologie et la compréhension de la façon dont les sons sont utilisés dans un studio d'enregistrement. Cependant, il ya un délai plus long de l'enregistrement qui a été utilisé afin de documenter les domaines audio et de mettre de la musique sur la bonne voie. Par la compréhension de la progression de l'enregistrement, vous pouvez également trouver des moyens pour mettre en œuvre des caractéristiques similaires et des routines au sein de votre propre studio.

Le début de l'enregistrement remonte aux années 1890. Pendant ce temps, la plupart de l'enregistrement a été fait par des moyens acoustiques. L'équipement d'enregistrement a consisté en une bande qui permettrait de l'audio doit être documenté dans la bande. Ce serait alors passer par une corne qui enregistrerait les fréquences sonores qui ont été joués. Ce serait alors documentés en mettant rainures dans l'enregistrement à travers les vagues et la façon dont ils ont été traduits.

Ce type d'enregistrement aussi inclus les limitations sur les chambres sonores et la façon dont le son a été enregistré. Upper studios d'enregistrement échelle consistait uniquement en un mur insonorisé afin que le bruit audio ne serait pas rebondir. La possibilité de mélanger, de maîtriser et de modifier les informations audio, mais n'était pas disponible. Ceux qui sont intéressés à l'enregistrement serait également prendre les dossiers en dehors des studios pour faire des choses telles que les enregistrements sur le terrain, où les sons naturels seraient placés sur audio. Cela est devenu un second moyen de créer des enregistrements populaires de partager avec le public.

Dans les années 1930, différentes options et de l'équipement a commencé à être populaire pour l'enregistrement. Cela a commencé avec les amplificateurs et les microphones qui ont été ajoutées pour enregistrer plus de fréquences sonores. Elle a été suivie par une table de mixage et par haut-parleurs afin que les sons pouvaient être manipulées et modifiées lors de l'enregistrement. Cela a causé pour la plupart de l'enregistrement acoustique qui a été fait dans le passé pour être remplacé par la nouvelle technologie afin que les enregistrements plus précis pourrait être fait.

Jusqu'à la fin des années 1970, ces méthodes combinées étaient la façon populaire de musiciens et d'artistes d'enregistrement dans le studio. Les chambres acoustiques ont été combinées avec les micros et ont été enregistrées en direct par la table de mixage et directement dans le disque ou la bande d'enregistrement. Cette chambre peu à gauche pour ré-enregistrer ou modifier. La plupart de l'enregistrement qui a été fait serait fait avec des bandes complètes, des orchestres ou des groupes qui mettraient tout sur le disque à un moment donné.

Le changement qui s'est produit pendant cette période combinée de la capacité de contrôler les sons de manière plus efficace et de se déplacer dans l'édition. C'était pendant les années 1960 et 1970 que l'enregistrement analogique déplacé dans le champ, ce qui permet pour les machines plus complexes à être à la pointe de l'enregistrement. L'enregistrement analogique a consisté d'une bande magnétique qui porterait les ondes sonores et de les lire en arrière à travers l'enregistrement. Cela pourrait alors être écrite sur et révisé en fonction de ce qui a été enregistrée.

Cette période a non seulement permis d'avancement au sein d'enregistrement, mais aussi créé l'expérimentation avec de nouveaux équipements, des sons et des effets qui sont devenus populaires pour les studios d'enregistrement individuels, aujourd'hui considérés comme des signatures de diverses industries de l'enregistrement. Ceux qui ont travaillé au sein de l'industrie, a constaté non seulement de nouvelles technologies pour l'enregistrement, mais a également développé des sons qui étaient uniques en raison de la capacité de traiter l'mixage et le mastering d'une manière différente.

Il était le mouvement dans l'enregistrement analogique qui a changé d'enregistrement en un ensemble électronique et numérique de capacités ainsi que les normes de l'industrie qui sont maintenant acceptés comme le réglage normal de tous les studios d'enregistrement. En raison de cette expérimentation et les nouvelles technologies, ceux qui travaillent dans l'industrie est venu à certaines conclusions quant à ce qui a fonctionné mieux avec l'enregistrement et la façon dont la production pourrait être efficace.

Cette progression montre comment l'enregistrement est devenu un courant grâce à des innovations, la créativité et l'expérimentation. Par l'industrie de l'enregistrement de créer les effets de l'enregistrement, il a permis de nouvelles arènes de développement dans l'enregistrement de musique d'être explorées.

A história da gravação

A capacidade de registro pode parecer ser mais recente, especialmente com os recursos da tecnologia ea compreensão de como os sons são usados ​​dentro de um estúdio de gravação. No entanto, existe um período mais longo de gravação que tem sido utilizado para documentar áreas de áudio e para colocar a música em faixa. Ao compreender a progressão da gravação, você também pode encontrar formas de implementar características semelhantes e rotinas dentro do seu próprio estúdio.

O início da gravação remonta à década de 1890. Durante este tempo, a maior parte do gravação foi feita através de meios acústicos. O equipamento de gravação consistia de uma fita que permitiria o áudio a ser documentado na fita. Este seria, então passar por um chifre que iria gravar as frequências de som que estavam sendo tocadas. Este seria, então, documentada por colocar ranhuras na gravação através das ondas e como elas foram traduzidas.

Este tipo de gravação também incluídos limitações sobre as salas de som e como o som foi gravado. Estúdios de gravação superiores escala consistia apenas de uma parede à prova de som para que o ruído de áudio não saltar. A capacidade de misturar, dominar e editar as informações de áudio, no entanto, não estava disponível. Aqueles que estavam interessados ​​em gravação também levaria os registros fora dos estúdios para fazer coisas como gravações de campo, onde os sons naturais seriam colocados em áudio. Isto tornou-se um segundo meio popular de criar gravações para compartilhar com o público.

Na década de 1930, diferentes opções e equipamentos começou a ser popular para a gravação. Isso começou com amplificadores e microfones que foram adicionados para gravar mais frequências sonoras. Isto foi seguido por uma placa de mistura e por altifalantes de modo que os sons podem ser manipuladas e alteradas durante a gravação. Isto causou para a maioria da gravação acústico que foi feito no passado para ser substituído por a nova tecnologia de modo que as gravações mais precisos poderia ser feito.

Até a década de 1970, esses métodos combinados foram a maneira popular de músicos e artistas de gravação no estúdio. Os quartos acústicos foram combinados com os microfones e foram gravadas ao vivo através da mesa de mixagem e em linha reta no disco ou fita de gravação. Este quarto esquerdo pouco para voltar a gravar ou editar. A maior parte da gravação que foi feito seria feito com bandas completas, orquestras ou grupos que seria colocar tudo sobre o disco de uma só vez.

A mudança que ocorreu durante este tempo combinado a capacidade de monitorar os sons de forma mais eficaz e se mudar para edição. Foi durante os anos 1960 e 1970 que a gravação analógica mudou-se para o campo, permitindo que máquinas mais complexo para estar na vanguarda da gravação. A gravação analógica consistia de uma fita magnética que levasse as ondas sonoras e lê-los de volta através da gravação. Este poderia então ser escrito sobre e revisto de acordo com o que foi gravado.

Este período de tempo permite não só o avanço dentro de gravação, mas também criou a experimentação com novos equipamentos, sons e efeitos que se tornaram populares para estúdios de gravação individuais, agora consideradas assinaturas de indústrias de gravação diferentes. Aqueles que estavam trabalhando dentro da indústria encontrado não apenas novas tecnologias para gravação, mas também desenvolveu sons que eram únicos, devido à capacidade de processar a mixagem e masterização de uma maneira diferente.

Foi o movimento em gravação analógica que mudou de gravação em um set eletrônico e digital de capacidades, bem como os padrões da indústria que agora são aceitos como a configuração normal, entre todos os estúdios de gravação. Devido a essa experimentação e nova tecnologia, aqueles que trabalham na indústria chegou a certas conclusões sobre o que funcionou melhor com a gravação e como a produção poderia ser eficaz.

Essa progressão mostra como gravação tornou-se uma corrente por meio de inovações, criatividade e experimentação. Pela indústria fonográfica criar os efeitos de gravação, que permitiu novas áreas de desenvolvimento de gravação de música para ser explorado.

La historia de la grabación

Las habilidades de grabar puede parecer más reciente, sobre todo con las capacidades de la tecnología y la comprensión de cómo los sonidos se utilizan dentro de un estudio de grabación. Sin embargo, existe un marco más largo tiempo de grabación que se ha utilizado con el fin de documentar áreas de audio y poner música en la pista. Mediante la comprensión de la progresión de la grabación, usted puede también encontrar la manera de aplicar similares características y rutinas dentro de su propio estudio.

El comienzo de la grabación se remonta a la década de 1890. Durante este tiempo, la mayor parte de la grabación se realiza a través de medios acústicos. El equipo de grabación consistía en una cinta que permitiría que el sonido se documentó en la cinta. Esto luego ir a través de una bocina que registrar las frecuencias de sonido que se está reproduciendo. Esto entonces se documentó poniendo muescas en la grabación a través de las ondas y la forma en que se han traducido.

Este tipo de grabación también se incluyen limitaciones en las salas de sonido y cómo el sonido se grabó. Altos estudios de grabación de escala consistía sólo en una pared a prueba de sonido para que el ruido de audio no rebotaría. La capacidad de mezclar, masterizar y editar la información de audio, sin embargo, no estaba disponible. Los que estaban interesados ​​en la grabación también tomaría los registros fuera de los estudios para hacer cosas tales como grabaciones de campo, donde los sonidos naturales que se colocan en audio. Esto se convirtió en un segundo medio de la creación de grabaciones populares para compartir con el público.

En la década de 1930, las diferentes opciones y el equipo comenzó a ser popular para la grabación. Esto comenzó con los amplificadores y micrófonos que se agregaron a grabar más frecuencias de sonido. Esto fue seguido por una tabla de la mezcla y por altavoces de modo que los sonidos podrían ser manipuladas y cambiarse durante la grabación. Esto hizo que la mayor parte de la grabación acústica que se hizo en el pasado para ser sustituido por la nueva tecnología de manera que las grabaciones más exactos se podía hacer.

Hasta la década de 1970, estos métodos combinados son la forma popular de músicos y artistas de grabación en el estudio. Las habitaciones acústicas se combinaron con los micrófonos y fueron grabados en vivo a través de la mesa de mezclas y directamente en el disco o la cinta de grabación. Esta pequeña habitación izquierda para volver a grabar o editar. La mayor parte de la grabación que se hizo se haría con bandas completas, orquestas o grupos que colocarían todo en el disco a la vez.

El cambio que se produjo durante este tiempo combina la capacidad de controlar los sonidos con mayor eficacia y para entrar en la edición. Fue durante los años 1960 y 1970 que la grabación analógica se trasladó al campo, para la maquinaria más compleja para estar a la vanguardia de la grabación. La grabación analógica consiste en una cinta magnética que llevar a las ondas de sonido y leer de nuevo a través de la grabación. Esto podría ser por escrito y revisado más de acuerdo con lo que se registró.

Este período no sólo se permite para el avance dentro de la grabación, sino que también creó la experimentación con nuevos equipos, los sonidos y los efectos que se hicieron populares para estudios de grabación individuales, ahora se consideran las firmas de la industria de grabación diferentes. Los que estaban trabajando dentro de la industria encontró que no sólo las nuevas tecnologías para el registro, sino que también desarrolló los sonidos que eran únicas, debido a la capacidad de procesar la mezcla y masterización de una manera diferente.

Fue el movimiento en la grabación analógica que cambia de registro en un conjunto electrónico y digital de las capacidades, así como estándares de la industria que ahora se acepta como el ajuste normal de todos los estudios de grabación. Debido a esto la experimentación y las nuevas tecnologías, las personas que trabajan dentro de la industria llegó a ciertas conclusiones acerca de lo que funcionó mejor con la grabación y cómo la producción podría ser eficaz.

Esta progresión muestra cómo la grabación se ha convertido en una corriente a través de innovaciones, la creatividad y la experimentación. En la industria de la grabación de la creación de los efectos de la grabación, que ha permitido que nuevas áreas de desarrollo en la grabación de música para ser explorado.

Trucs et astuces pour fixant pistes

Organisation et mettre sur pied un enregistrement prend parfois quelque chose d'un peu différent que de faire un groupe ensemble et de mélange dans l'ensemble de la musique. Il ya maintenant plus d'options disponibles pour assemblant vos chansons, faire en sorte que tout est dans le bon endroit et en gardant les sons correctement ensemble.

Astuce  1: Profitez de répétitions et de motifs. Musicale Tout est construit hors d'un motif. Si vous avez des modèles à votre chanson, ne prennent pas le temps pour garder re-écrit les dans la musique, surtout si vous ne jouez pas le vivre. Création d'une boucle avec ce phrasé musical spécifique sera beaucoup plus efficace et vous permettra d'économiser du temps.

Astuce  2: Savoir où trouver des boucles. La plupart des forfaits d'enregistrement viennent avec pré-faites des boucles que vous pouvez utiliser pour des motifs généraux. Cela est particulièrement efficace si vous avez besoin d'un motif rythmique ou un battement générale. Alors que les boucles ne devrait pas être la base de votre chanson, pour les chansons générales au sol arrière, c'est une grande chose à utiliser.

Astuce  3: Il faut toujours penser en couches. Que vous utilisiez des modèles, des boucles ou des enregistrement live, le meilleur moyen de passer à travers le processus d'enregistrement est de penser en couches. Ce qui devrait se passer de l'arrangement de la chanson, mais devrait continuer à la production réelle et de mélange.

Astuce  4: Savoir ce qu'il faut mettre en premier. Il ya plusieurs façons logiques et efficaces pour mettre bas des pistes à l'instrumentation différente. Vous aurez toujours envie de commencer par la piste rythmique en raison de la capacité d'avoir une boucle répétitive et pour tout garder sur la bonne voie. Vous serez alors empiler par rapport aux creux des sommets, à commencer par les sons de basses, le passage à milieu de gamme, puis haut de gamme.

Astuce  5: Les voix sont la cerise sur le gâteau. Même si les chanteurs sont le devant de la scène, en enregistrement, ils s'en tenir à l'arrière. Avant de vous apporter une personne vocal pour enregistrement, vous voulez avoir les couches de votre instrumentation terminée, y compris le mélange. La voix peut ensuite être comprimé à l'intérieur et se fondre dans bien avec le reste de l'instrumentation.

Astuce  6: Familiarisez-vous avec plus d'un programme. La plupart des studios d'enregistrement aura une préférence de leurs programmes préférés à utiliser pour tout. Cependant, le plus polyvalent que vous êtes dans votre logiciel d'enregistrement, les capacités de plus, vous aurez à trouver les bons sons, des arrangements et des capacités dans le logiciel. Vous aurez envie de demander autour pour voir ce logiciel est le mieux à ce que.

Astuce  7: Connaître le contexte de l'avant. Une des plus grandes erreurs commises lors de l'enregistrement est d'avoir l'équilibre et les mécanismes de garantie que l'avant-plan. Tout cela revient à la commande de volume dans vos pièces. Vous voulez faire des recherches quelles sont les normes pour chaque réglage de volume avant de commencer l'enregistrement.

Astuce  8: Il est plus facile de devenir plus fort en volume que plus doux. Si vous êtes débutant le mélange, commencer à faible. Typiquement, vous voudrez tester chaque instrument ou un motif. Ils devront être mis autour de -6,0. De cela, vous pouvez déplacer vers le haut. Vous ne voulez jamais le volume à obtenir à 0 lors de l'enregistrement, en particulier avant les voix, car cela fera que le son soit trop fort, pour culminer avec les vagues et d'être déséquilibré.

Astuce  9: Essais. Lorsque vous testez chacun des sons que vous souhaitez rechercher le contrôle du volume. Chacun des instruments ne doit pas emboiter le pas à une zone en jaune ou rouge. Le volume devrait montrer un demi-point belle façon avec tous les instruments. Certains peuvent être plus élevés que d'autres pour le mix, mais si vous gardez cette règle générale à l'esprit, il sera plus facile de garder l'instrumentation assembler avec du volume.

Astuce 10: Savoir quand pré-série. Si vous avez un certain son que vous allez pour, savoir ce qui doit comprimé ou mis ensemble d'une certaine manière, n'hésitez pas à le faire avant de commencer à jouer. Ceci est particulièrement efficace avec le mélange. Cependant, vous ne voulez pas d'expérimenter à moins que vous êtes prêt à mettre la piste en bas plusieurs fois avec des paramètres différents.Avec ces conseils, vous pouvez construire vos morceaux plus efficacement et avec moins de temps.

Savoir ce qu'il faut utiliser lors de votre ordinateur, ainsi que ce qu'il faut mettre dans le bon endroit va vous aider à obtenir le son exact que vous avez besoin.

Consejos y trucos para el que se establecen las pistas

Organización y la elaboración de un registro a veces toma algo un poco diferente de conseguir una banda juntos y la mezcla en toda la música. Ahora hay más opciones disponibles para armar sus canciones, asegurándose de que todo está en el lugar correcto y mantenimiento de los sonidos de forma correcta.

Consejo # 1: Tome ventaja de las repeticiones y los patrones. Musical Todo está construido fuera de un patrón. Si usted tiene patrones en su canción, no se toman el tiempo para mantener re-escribiéndolos en la música, sobre todo si no estás jugando en vivo. Creación de un bucle con el fraseo musical específico será mucho más eficaz y le ahorrará tiempo.

Consejo # 2: Sepa dónde encontrar los bucles. La mayoría de los paquetes de grabación vienen con pre-hechos los lazos que se pueden utilizar para los patrones generales. Esto es especialmente efectivo si usted necesita un patrón de ritmo o un golpe en general. Mientras que los lazos no debería ser la base de su canción, las canciones básicas generales anteriores, esta es una gran cosa para su uso.

Consejo # 3: Siempre piensa en capas. Si usted está utilizando los patrones, los bucles o la grabación en vivo, la mejor manera de conseguir a través del proceso de grabación es pensar en capas. Esto debe estar sucediendo en el arreglo de la canción, sino que debe continuar con la producción efectiva y la mezcla.

Consejo # 4: Sepa lo que debe poner en primer lugar. Hay maneras lógicas y eficaces para sofocar las pistas para la instrumentación diferente. Usted siempre va a querer empezar con la pista de ritmo debido a la capacidad de tener un bucle repetitivo y para mantener todo en el camino correcto. A continuación, se acumula desde mínimos a máximos, a partir de los sonidos graves, de trasladarse a gama media, y luego de alta gama.

Consejo # 5: Las voces son la guinda del pastel. A pesar de que los cantantes son la parte delantera de la etapa, en la grabación se mantienen a la parte posterior. Antes de traer a una persona vocal para grabar, se va a querer tener las capas de la instrumentación completa, incluyendo la mezcla. La voz, entonces se puede comprimir en y se mezcla perfectamente con el resto de la instrumentación.

Consejo # 6: Familiarizarse con más de un programa. La mayoría de los estudios de grabación tendrá una preferencia de sus programas favoritos de usar para todo. Sin embargo, el más versátil que se encuentran en el software de grabación, las capacidades más que tendrán que encontrar los sonidos adecuados, los medios y capacidades del software. Usted tendrá que dar una vuelta para ver qué software se adapta mejor a lo que.

Consejo # 7: Conoce los antecedentes de la parte delantera. Uno de los mayores errores cometidos en la grabación está teniendo el equilibrio y los acuerdos posteriores como el primer plano. Todo esto vuelve al control de volumen en sus piezas. Usted tendrá que investigar cuáles son las normas para cada configuración del volumen antes de iniciar la grabación.

Consejo # 8: Es más fácil llegar más alto en volumen que más suave. Si usted apenas está comenzando la mezcla, comenzar con dosis bajas. Por lo general, usted querrá poner a prueba cada instrumento o patrón. Se debe establecer en torno a -6,0. De esto, puede desplazarse hacia arriba. Uno nunca quiere que su volumen para llegar a 0 cuando el registro, especialmente antes de las voces, ya que hará que el sonido sea demasiado alto, para alcanzar su punto máximo con las olas y se desequilibra.

Consejo # 9: Pruebas. Al probar cada uno de los sonidos que desee para buscar el control de volumen. Cada uno de los instrumentos no deben máximo hacia fuera en una zona de color amarillo o rojo. El volumen debe mostrar un punto a mitad de camino agradable con todos los instrumentos. Algunos pueden ser más altos que otros para la mezcla, pero si sigues esta regla general en mente, será más fácil mantener la instrumentación encajando con el volumen.

Consejo # 10: Sepa cuándo pre-establecido. Si usted tiene un cierto sonido que usted va para, sabe lo que es necesario comprimir o juntar de una manera determinada, no dude en hacerlo antes de comenzar a jugar. Esto es especialmente efectivo con la mezcla. Sin embargo, usted no quiere experimentar a menos que esté dispuesto a dar la pista varias veces con diferentes configuraciones.Con estos consejos, usted puede crear sus piezas de manera más eficaz y con menos tiempo.

Saber lo que va a utilizar al con el ordenador, así como lo que para poner en el lugar adecuado le ayudará a obtener el sonido exacto que usted necesita.

Dicas e truques para que estabelece as faixas

Organizar e montar uma gravação às vezes leva algo um pouco diferente do que começar uma banda juntos e mistura em toda a música. Há agora mais opções disponíveis para juntar as suas músicas, certificando-se que tudo está no lugar certo e mantendo os sons juntos corretamente.

Dica # 1: Tire partido de repetições e padrões. Musical Tudo é construído fora de um padrão. Se você tem padrões em sua música, não ter o tempo para manter a re-escrevê-las na música, especialmente se você não está jogando ao vivo. Criando um laço com o fraseado musical específico, será muito mais eficaz e você vai economizar tempo.

Dica # 2: Saiba onde encontrar loops. A maioria dos pacotes de gravação vêm com pré-fabricados loops que você pode usar para padrões gerais. Isto é especialmente eficaz se você precisa de um padrão de ritmo ou uma batida geral. While loops não deve ser a base de sua música, para as canções solo gerais de volta, esta é uma grande coisa para usar.

Dica # 3: Sempre pense em camadas. Se você estiver usando padrões, loops ou gravação ao vivo, a melhor maneira de obter através do processo de gravação é pensar em camadas. Isso deve estar acontecendo a partir do arranjo da música, mas deve continuar com a produção real e de mistura.

Dica # 4: Saiba o que colocar em primeiro lugar. Há maneiras lógicas e eficaz para colocar as faixas para a instrumentação diferente. Você sempre vai querer começar com a faixa ritmo por causa da possibilidade de ter um ciclo repetitivo e para manter tudo no caminho certo. Você vai então empilhar dos pontos baixos para altos, começando com os sons graves, movendo-se para gama média, gama alta e, em seguida.

Dica # 5: Vocais são a cereja no topo do bolo. Mesmo que os cantores são parte da frente da fase, na gravação de eles mantêm a parte de trás. Antes de levar uma pessoa vocal para registro, você vai querer ter as camadas de sua instrumentação completa, incluindo a mistura. A voz pode então ser comprimida para dentro e vai misturar-se muito bem com o resto da instrumentação.

Dica # 6: Familiarize-se com mais de um programa. A maioria dos estúdios de gravação terá uma preferência de seus programas favoritos para usar para tudo. No entanto, o mais versátil você está no seu software de gravação, os recursos mais você terá que encontrar os sons certos, arranjos e capacidades dentro do software. Você vai querer perguntar ao redor para ver o melhor software é o que.

Dica # 7: saiba o fundo de frente. Um dos maiores erros cometidos na gravação está a ter o equilíbrio e os arranjos de volta como o primeiro plano. Isso tudo volta ao controle de volume em suas peças. Você vai querer pesquisar o que as normas são para cada configuração de volume antes de iniciar a gravação.

Dica # 8: É mais fácil para ficar mais alto em volume do que mais suave. Se você está apenas começando a misturar, começar de baixo. Normalmente, você vai querer testar cada instrumento ou padrão. Deverão ser postas em torno de -6,0. A partir daí, você pode mover para cima. Você nunca quer o seu volume para chegar a 0 durante a gravação, especialmente antes dos vocais pois fará com que o som seja muito alto, o pico com as ondas e ser desequilibrado.

Dica # 9: Teste. Quando você testar cada um dos sons que você quer olhar para o controle de volume. Cada um dos instrumentos não deve máximo para fora em uma zona amarela ou vermelha. O volume deve mostrar um ponto de maneira agradável metade com todos os instrumentos. Alguns podem ser mais elevados do que outros para a mistura, mas se você manter esta regra geral em mente, será mais fácil manter a instrumentação encaixando com volume.

Dica # 10: Saiba quando pré-definido. Se você tem um certo som que você está indo para, sabe o que precisa comprimido ou colocados juntos em uma certa maneira, não hesite em fazê-lo antes de começar a jogar. Isto é especialmente eficaz com a mistura. No entanto, você não quer experimentar a menos que você está pronto para colocar a pista para baixo várias vezes com configurações diferentes.Com essas dicas, você pode construir as suas peças de forma mais eficaz e com menos tempo.

Saber o que usar quando com o seu computador, bem como para definir o que no lugar certo vai ajudar você a obter o som exato que você precisa.

Tipps und Tricks für die Festlegung von Tracks

Die Anordnung und Zusammenstellung einer Aufnahme dauert manchmal etwas ein bisschen anders, als sich eine Band zusammen und das Mischen in all der Musik. Es gibt jetzt mehr Möglichkeiten für Ihre Songs zusammenzusetzen, um sicherzustellen, dass alles am richtigen Platz ist und halten die Töne richtig zusammen.

Tipp 1: Nutzen Sie die Vorteile von Wiederholungen und Muster. Alles wird musikalisch von einem Muster gebaut. Wenn Sie Muster in Ihren Song haben, nehmen Sie nicht die Zeit, um wieder schreiben sie in der Musik zu halten, besonders wenn Sie nicht spielen damit leben. Erstellen einer Schleife mit diesem spezifischen musikalischen Phrasierung wird sehr viel effektiver und spart Zeit.

Tipp  2: Wissen, wo, um Schleifen zu finden. Die meisten Aufnahme-Pakete kommen mit vorgefertigten Loops, die Sie für die allgemeine Muster verwenden können. Dies ist besonders wirksam, wenn Sie ein Rhythmus-Pattern oder eine allgemeine Beat brauchen. While-Schleifen sollten nicht die Grundlage des Songs sein, für den allgemeinen back ground Songs, das ist eine tolle Sache zu nutzen.

Tipp  3: Immer in Schichten zu denken. Egal, ob Sie die Verwendung von Mustern, Loops oder Aufzeichnung werden leben, ist der beste Weg, um durch den Aufnahmeprozess zu bekommen, um in Schichten zu denken. Dies sollte aus der Anlage des Stücks geschehen, sollte aber auf die tatsächliche Produktion und Mischen fortzusetzen.

Tipp 4: wissen, was in erste Stelle zu setzen. Es gibt logische und effektive Wege zur Niederschlagung Tracks in den verschiedenen Instrumenten. Sie wollen immer mit dem Rhythmus-Track wegen der Fähigkeit, eine sich wiederholende Schleife zu haben und alles auf dem richtigen Weg zu halten beginnen. Sie werden dann von Tiefs zu Höhen stapeln, beginnend mit den Bass-Sounds, bewegte bis mittleren Bereich, und dann hohe Reichweite.

Tipp  5: Gesang sind das Sahnehäubchen auf dem Kuchen. Auch wenn die Sänger die vor der Bühne sind, in der Aufnahme halten sie auf dem Rücken. Bevor Sie eine Person in Gesang zu Rekord zu bringen, werden Sie wollen, haben die Schichten Ihrer Instrumentierung abgeschlossen, einschließlich der Vermischung. Die Stimme kann dann komprimiert werden und fügen sich gut mit dem Rest der Instrumentierung.

Tipp 6: Machen Sie sich mit mehr als einem Programm. Die meisten Tonstudios haben eine Vorliebe ihrer Lieblings-Programme, um für alles zu verwenden. Allerdings ist die vielseitigere Sie in Ihrer Recording-Software sind, desto mehr Möglichkeiten haben Sie, um die richtigen Sounds, Arrangements und Fähigkeiten innerhalb der Software zu finden. Sie wollen fragen, um zu sehen, welche Software am besten kann, was.

Tipp 7: Kennen Sie den Hintergrund von der Front. Einer der größten Fehler in der Aufzeichnung gemacht wird, die das Gleichgewicht und die Arrangements zurück, als im Vordergrund. Das alles kommt zurück an den Lautstärkeregler in Ihrem Stück. Sie wollen erforschen, was die Standards für jede Lautstärke-Einstellung sind, bevor Sie die Aufnahme zu starten.

Tipp 8: Es ist leichter, lauter im Volumen als weicher. Wenn Sie gerade erst anfangen, den Mix, starten niedrig. In der Regel werden Sie wollen, jedes Instrument oder Muster zu testen. Diese sollten rund -6,0 eingestellt werden. Daraus kann man oben zu bewegen. Sie wollen nie Ihr Volumen um auf 0 bei der Aufnahme, vor allem vor den Gesang, wie es dazu führen, wird der Ton zu laut, um mit den Wellen ihren Höhepunkt erreichen und zu unausgewogen sein.

Tipp  9: Prüfung. Wenn Sie jedes der Geräusche, die Sie für Lautstärkeregelung aussehen zu testen. Jedes der Instrumente sollte nicht Max in eine gelbe oder rote Zone. Das Volumen sollte einen schönen halben Weg mit all den Instrumenten zeigen. Einige können höher sein, als andere für den Mix, aber wenn man diese Regel im Kopf behalten, wird es leichter sein, um die Instrumentierungsverschraubung zusammen mit Volumen zu halten.

Tipp Nr. 10: Wissen, wann sie voreingestellt. Wenn Sie einen bestimmten Sound, den Sie für gehen, wissen, was komprimiert oder gemeinsam in einer bestimmten Weise stellen, zögern Sie nicht, es zu tun, bevor Sie zu spielen beginnen. Dies ist besonders wirksam bei der Vermischung. Allerdings wollen Sie nicht, zu experimentieren, wenn Sie bereit sind, um die Spur nach unten mehrmals mit verschiedenen Einstellungen legen sind.

Mit diesen Tipps können Sie Ihre Stücke effektiver und mit weniger Zeit zu bauen. Zu wissen, was zu verwenden, wenn mit dem Computer, als auch, was in der richtigen Stelle gesetzt werden Ihnen helfen, den genauen Ton, den Sie benötigen.

Aufrechterhaltung des Gleichgewichts: ausgleichende Instrumente

Wenn Sie proben oder sich mit einer Gruppe durchführen, erhalten Sie automatisch wissen, dass der letzte Schritt, bevor man auf die Bühne, um sicherzustellen, dass alles vereint ist. Es gibt nichts, das eine Aufführung von Musik mehr tötet als es ohne die richtige Passform. Ich bin sicher, viele von Ihnen erfahren haben werde eine Leistung und eine weibliche Stimme hören, die Übernahme der gesamten Band oder bemerken, dass eines der Mikrofone den Rest der Instrumentierung blieb davon ab, in den richtigen Groove.Aufnahme ist nicht anders in Bezug auf die Balance zu finden. Es gibt zwei Bereiche, in denen dies der Fall ist, eine, die mit der physikalischen Aufnahme ist, und eines, das durch den EQ ausgewogen ist, auch als Equalizer bekannt ist. Wenn Sie in Ihrem Studio arbeiten, wollen Sie sicherstellen, dass Sie Kenntnis von diesen beiden Schallpegel für Ihre Aufnahme sind, da sie den gesamten Unterschied, wie Ihr Sound stellt sich heraus, am Ende machen wird.Der erste Teil der Klangbalance kommt von der physischen Präsenz.

Dies wird durch das Mischpult vorgenommen werden. Damit wird es die Notwendigkeit, die Instrumente auszugleichen, wie sie in den Spuren aufgezeichnet werden, so dass sich das Volumen nicht zu hoch und Peak, so dass jedes einzelne Instrument einen natürlichen Klang zu verfügen. Beim Bau dieses Teils der Entzerrung, werden Sie wollen, um die Aufmerksamkeit sowohl auf die Eingabe in den Computer sowie die Ausgabe, dass die Individuen über die Monitore hören zu zahlen.Das wichtigste Konzept in diesem Teil ist, um sicherzustellen, dass alle gleich sind.

Dies bedeutet, dass die Lautstärke sollte über die gleiche auf alle sein. Denken Sie daran, dass die untere sie ist, desto mehr Raum haben, um den Mix später ändern. Sie wissen nicht, dass jemand mit ihr Instrument während eines Teils der Aufnahme ihren Höhepunkt erreichen. Ton Kontrolle mit sowohl dem Eingang und Ausgang des Aufzeichnungskopfes zu helfen.Die EQs sind die nächsten wichtigen Teil die richtigen Mischungen zusammen.

Dies ist etwas, das vom Mischen der Mastering durchgeführt werden. Bei jedem Schritt des Weges, werden Sie wollen sicherstellen, dass Sie ein Gleichgewicht zwischen den hohen und tiefen Tönen und dass man nicht über andere dominieren zu haben.Es gibt eine Vielzahl von Normen, die befolgt werden, um EQs in bestimmten Niveau zu halten sind. Dies hängt von persönlichen Vorlieben sowie Industrie-Standards, die von Musikgenres unterteilt beruhen.

Die Hauptsache im Auge zu behalten, jedoch ist es, nicht zulassen, eine Frequenz zu laut über eine andere. Dies bedeutet, dass der niedrige Teil eines Instruments sollte etwa gleich dem hohen Ende.Dies sollte der für die Instrumente, die miteinander vermischt werden. Sofern Sie einige zusätzliche Bass-Boost, die durch die Aufnahme kommt oder wollen das Klavier zu dominieren über die anderen Instrumente wollen, stellen Sie sicher, dass alles in etwa die gleiche Lautstärke ist. Sie können nicht nur tun dies durch die Normalisierung, Mixing und Mastering, aber Sie können auch den Umschlägen in den einzelnen Instrumenten. Dies wird für bestimmte Teile des Songs zu einem bestimmten Niveau gehalten werden anschließend wieder nach oben zu einem normalen dynamischen Ebene, auf einem anderen Teil zu erlauben.Der beste Weg, um zu überprüfen und sehen, ob alle diese Komponenten einwandfrei funktionieren ist zu sehen, wie die Monitore Sound. Ihre Monitore sollten platziert werden hoch und auf beiden Seiten des Raumes, so dass Sie hören können, wie der Schall zurück Prellen. Die niedrigen Enden auf der Unterseite des Monitors wird Ihnen sagen, wenn der Bass ist zu hoch und die hohen Enden wird Sie wissen lassen, wenn die hohen Enden zu hoch sind.

Anschließend können Sie nach Ihren Vorlieben anpassen, bis Sie einen Anfall haben.Was auch immer Ihre Art von Musik, nie ohne dabei die Balance zwischen einzelnen Instrumente und die ganze in Kraft gesetzt zu starten. Je mehr Sie diesen Mischvorgang und die EQs besser Ihre CD kommt heraus und die professionellere es klingen wird. Finden Sie Ihre Vorlieben und Blick in den Standards geben Ihnen einen Vorsprung auf halten alles ausgeglichen.

Mantener el equilibrio: los instrumentos de igualación

Si usted está ensayando o actuando con un grupo, automáticamente sabemos que el último paso antes de llegar al escenario es para asegurarse de que todo se mezcla. No hay nada que mata a una interpretación de la música más que no tener el sistema más adecuado. Estoy seguro de que muchos de ustedes han experimentado va a un espectáculo y escuchar una voz femenina que hacerse cargo de toda la banda, o darse cuenta de que uno de los micrófonos se detuvo al resto de la instrumentación de entrar en la ranura derecha.La grabación no es diferente en términos de encontrar el equilibrio.

Habrá dos áreas en las que esto ocurre, uno que es con la grabación física, y uno que se equilibra a través de los ecualizadores, también conocido como ecualizadores. Cuando se trabaja en su estudio, usted quiere asegurarse de que usted está enterado de estos dos niveles de sonido para la grabación, ya que hará toda la diferencia en la forma en que su sonido se convierte en el final.La primera parte del balance de sonido viene de la presencia física. Esto se hará a través de la mesa de mezclas.

Con esto, habrá la necesidad de equilibrar los instrumentos, ya que se grabarán en las pistas de manera que el volumen no demasiado alto y máximo para cada instrumento individual puede tener un sonido natural a la misma. Cuando la construcción de esta parte de la compensación, tendrá que prestar atención tanto a la entrada en el ordenador, así como la salida que las personas que escuchan a través de los monitores.El concepto principal en esta parte es para asegurarse de que todos somos iguales. Esto significa que los niveles de volumen debe ser aproximadamente la misma en todos.

Recuerde que cuanto más bajo es, más espacio tienes que cambiar la combinación más adelante. Usted no quiere a nadie a alcanzar su punto máximo con su instrumento en ningún momento de la grabación. Comprobación de sonido ayudará tanto con la entrada y la parte de salida de la grabación.Los ecualizadores son la siguiente parte importante de conseguir las mezclas del derecho.

 Esto es algo que se llevará a cabo a partir de la mezcla a la masterización final. Durante cada paso del camino, usted querrá asegurarse de que usted tiene un equilibrio entre los sonidos altos y bajos, y que uno no domina sobre el otro.Hay una variedad de normas que se siguen en orden a mantener ecualizadores en ciertos niveles. Este se basará en las preferencias personales, así como estándares de la industria que están divididas por género de la música.

Lo principal a tener en cuenta, sin embargo, es no dejar que una frecuencia de ser demasiado alto sobre la otra. Esto significa que la parte baja de un instrumento debe ser aproximadamente el mismo que el extremo superior.Esto debe ser la misma para los instrumentos que se mezclan juntos. A menos que quieras un refuerzo de graves extra que viene a través de la grabación o si desea el piano a dominar sobre los otros instrumentos, asegúrese de que todo está más o menos al mismo nivel de volumen.

No sólo se puede hacer esto a través de la normalización, mezcla y masterización, pero también se puede colocar los sobres a través de los instrumentos individuales. Esto permitirá que ciertas partes de la canción que se mantienen en un cierto nivel luego regresar a un nivel normal dinámica en otra parte.La mejor manera de comprobar y ver si todos estos componentes están funcionando correctamente es ver cómo el sonido de los monitores. Los monitores deben colocarse en alto y en ambos lados de la habitación, así que usted puede escuchar cómo el sonido se está recuperando.

Los extremos de baja en la parte inferior de la pantalla le indicará si el bajo es demasiado alto y los extremos superior le permitirá saber si los extremos altos son demasiado altos. A continuación, puede ajustar según sus preferencias hasta que tenga un ataque.Sea cual sea su estilo de música, nunca empezar sin lograr un equilibrio entre los instrumentos individuales y la put todo en su lugar. Cuanto más sepa acerca de este proceso de mezcla y ecualización, mejor el CD va a salir y el más profesional será el sonido. La búsqueda de sus preferencias y busca en las normas le dará una ventaja en mantener todo equilibrado.

Manter o equilíbrio: instrumentos de equalização

Se você está ensaiando ou se apresentando com um grupo, você automaticamente sabe que o último passo antes de entrar no palco é para se certificar de que tudo combina. Não há nada que mata uma performance de música mais do que não ter o ajuste direito. Tenho certeza que muitos de vocês já experimentou ir a um desempenho e ouvir uma voz feminina assumindo toda a banda ou percebendo que um dos microfones parado o resto da instrumentação de ficar na ranhura direita.Gravação não é diferente em termos de encontrar o equilíbrio. Haverá duas áreas em que isto acontece, um que é com a gravação física, e um que é equilibrada através das EQs, também conhecido como equalizadores.

Quando você está trabalhando em seu estúdio, você quer ter certeza de que você está ciente de ambos os níveis de som para a gravação, como ele vai fazer toda a diferença na forma como o som se transforma no final.A primeira parte do equilíbrio de som vem da presença física. Isto será feito através da mesa de mixagem. Com isso, não haverá a necessidade de equilibrar os instrumentos como eles serão gravados nas faixas de modo a que o volume não pico demasiado elevado e assim cada instrumento pode ter um som natural a ela. Ao construir esta parte da equalização, você vai querer prestar atenção tanto de entrada para o computador, bem como a saída que os indivíduos ouvir através dos monitores.

O conceito principal durante esta parte é ter certeza de que todos são iguais. Isto significa que os níveis de volume deve ser aproximadamente a mesma em todos. Lembre-se que quanto menor for, mais espaço você tem que mudar o mix mais tarde. Você não quer que ninguém pico com seu instrumento em qualquer parte da gravação. Verificação de som vai ajudar com a entrada e saída de parte da gravação.Os equalizadores são a parte importante seguinte de conseguir as misturas certas. Isso é algo que será feito a partir da mistura para a masterização final. Durante cada passo do caminho, você vai querer ter certeza de que você tem um equilíbrio entre os sons altos e baixos e que não se dominar sobre o outro.

Há uma variedade de padrões que são seguidos de modo a manter equalizadores em certos níveis. Esta será baseada em preferências pessoais, bem como os padrões da indústria que são divididos por gênero de música. A principal coisa a ter em mente, no entanto, é não deixar que uma freqüência ser muito alto em relação a outra. Isto significa que a parte de baixo de um instrumento deve ser aproximadamente a mesma que a parte alta.Isto deve ser o mesmo para os instrumentos que são misturados em conjunto. A menos que você quiser algum bass boost extra que vem através da gravação ou quer o piano a dominar sobre os outros instrumentos, certifique-se que tudo é de cerca de nível de volume do mesmo.

Não apenas você pode fazer isso através da normalização, mixagem e masterização, mas você também pode colocar envelopes ao longo dos instrumentos individuais. Isto irá permitir a certas partes da música a ser mantidos em um determinado nível, em seguida, voltar-se a um nível normal dinâmica em outra parte.A melhor maneira de verificar e ver se todos esses componentes estão funcionando corretamente é ver como o som dos monitores. Seus monitores deve ser colocado no alto e em ambos os lados da sala para que você possa ouvir como o som é saltar para trás.

As extremidades baixas na parte inferior do monitor vai dizer se o baixo é muito alto e os altos fins que você saiba se as extremidades altas são muito altas. Você pode então ajustar de acordo com sua preferência, até você ter um ataque.Seja qual for o seu estilo de música nunca, começar sem obter o equilíbrio entre instrumentos individuais e da put toda no lugar. Quanto mais você sabe sobre este processo de mixagem e equalização melhor o seu CD vai sair e quanto mais profissional ele vai soar. Encontrar as suas preferências e olhando para os padrões lhe dará uma vantagem em manter tudo equilibrado.

Maintien de l'équilibre: les instruments d'égalisation

Si vous êtes répéter ou de jouer avec un groupe, vous connaissez automatiquement que la dernière étape avant de monter sur la scène est de s'assurer que tout se fond. Il n'y a rien qui tue un spectacle de musique de plus de ne pas avoir la bonne personne. Je suis sûr que beaucoup d'entre vous ont connu va à une performance et entendre une voix féminine en prenant sur toute la bande ou de remarquer que l'un des micros arrêté le reste de l'instrumentation de pénétrer dans la rainure de droite.Enregistrement n'est pas différent en termes de trouver un équilibre.

Il y aura deux domaines dans lesquels cela se produit, l'un qui est avec l'enregistrement physique, et qui est équilibré par le biais des égaliseurs, également connu que des égaliseurs. Lorsque vous travaillez dans votre studio, vous voulez vous assurer que vous êtes conscient de ces deux niveaux sonores pour vos enregistrements, car il fera toute la différence dans la façon dont le son se révèle à la fin.La première partie de la balance du son vient de la présence physique. Cela se fera par l'intermédiaire du conseil d'administration de mélange.

Avec cela, il y aura la nécessité d'équilibrer les instruments car ils seront enregistrés dans les pistes de sorte que le volume n'est pas trop élevé pic et ainsi de chaque instrument peut avoir un son naturel à elle. Lors de la construction de cette partie de l'égalisation, vous devez prêter attention à la fois l'entrée dans l'ordinateur ainsi que la sortie que les individus entendre à travers les moniteurs.Le concept principal au cours de cette partie est de s'assurer que tout le monde est égal. Cela signifie que les niveaux de volume devrait être sensiblement le même pour tout le monde.

Rappelez-vous que plus il est faible, le plus de place que vous avez à modifier la composition plus tard. Vous ne voulez pas que quiconque à crête avec leur instrument au cours d'une partie de l'enregistrement. Son contrôle vous aidera à la fois l'entrée et la partie de sortie de l'enregistrement.Les égaliseurs sont la prochaine partie importante d'obtenir des mélanges endroit. C'est quelque chose qui va être fait à partir du mélange à la maîtrise finale. Au cours de chaque étape du chemin, vous voulez vous assurer que vous avez un équilibre entre les sons de haute et basse et que l'on ne domine pas sur l'autre.Il existe une variété de normes qui sont respectées afin de maintenir égaliseurs dans certains niveaux. Ce sera basé sur les préférences personnelles ainsi que les normes de l'industrie qui sont divisés par genre de musique.

 La principale chose à garder à l'esprit, cependant, est de ne pas laisser une fréquence trop fort sur l'autre. Cela signifie que la partie basse d'un instrument doit être d'environ le même que le haut de gamme.Cela devrait être la même pour les instruments qui sont mélangés ensemble. Sauf si vous voulez une certaine amplification des basses supplémentaire qui vient par le biais de l'enregistrement ou si vous voulez le piano à dominer sur les autres instruments, assurez-vous que tout est à peu près au même niveau de volume. Non seulement vous pouvez faire grâce à la normalisation, mixage et le mastering, mais vous pouvez également placer des enveloppes dans tous les instruments individuels. Cela permettra à certaines parties de la chanson à être conservés à un certain niveau, puis remonter à un niveau normal dynamique à une autre partie.

La meilleure façon de vérifier et voir si tous ces composants fonctionnent correctement, c'est de voir comment le son des moniteurs. Vos moniteurs doivent être placés en haut et sur les deux côtés de la salle de sorte que vous pouvez entendre comment le son est de rebondir. Les extrémités basses sur le bas de l'écran vous indiquera si la basse est trop élevé et les extrémités hautes vous permettra de savoir si les extrémités hautes sont trop élevés. Vous pouvez ensuite ajuster selon vos préférences jusqu'à ce que vous avez une crise.

Quel que soit votre style de musique, ne jamais commencer sans trouver le juste équilibre entre les instruments individuels et le tout posé en place. Plus vous en savez sur ce processus de mélange et égaliseurs mieux votre lecteur de CD va sortir et la plus professionnelle, il se fera entendre. Trouver vos préférences et la recherche dans les normes vous donnera une longueur d'avance sur le maintien de tout équilibré.